[2021] El Paisaje Emocional

Cuando quiero hacer una fotografía de paisaje, estas son algunas de las cuestiones que tengo muy en cuenta:

1) Que tenga una historia que contar

No me interesa un paisaje sin más.

Me interesan los paisajes en los que se pueda trazar una historia, ya sea natural, ecológica, social o política.

Para mí, una foto de paisaje es una foto de una porción de territorio en la que haya algún tipo de historia. Si no hay una historia detrás, nos quedamos simplemente con una postal.

2) Qué es lo importante en ese paisaje

Antes de ponerte a hacer fotos de ese paisaje, pregúntate que tiene de importante para tí. Para mí, tiene que haber algo personal en ese territorio que quiero fotografiar.

Robert Adams decía que todo buena foto de paisaje esconde tres verdades, la geográfica o topográfica, la metáfora y la autobiográfica y cito textualmente:

“Las fotografías de paisaje pueden ofrecernos tres verdades: geografía, autobiografía y metáfora. Si las consideramos por separado, la geografía, suele ser aburrida, la autobiografía es, frecuentemente, trivial y la metáfora puede ser engañosa. Pero si las consideramos en conjunto, como sucede en los mejores trabajos de gente como Alfred Stieglitz y Edward Weston, los 3 tipos de información se refuerzan y complementan mutuamente, manteniendo intacto, en nuestro trabajo, el amor por la vida (…) Si la fotografía de paisaje fuera solo reportaje, solo sería válido para la ciencia pero no para el arte. En el arte, siempre hay un componente subjetivo. Hay algo, en la fotografía de paisaje, que nos cuenta mucho más de quién hay detrás de la cámara que de lo que se está fotografiando.

Hacer fotografías ha de ser, por tanto, una cuestión personal. Cuando esto no es así, los resultados no son convincentes.“

3) Elige un centro de atención

Elige la porción de territorio que quieres fotografiar y escoge uno o varios elementos que conformen tu principal centro de atención en tu foto.

Puede ser un árbol o grupo de árboles, una montaña, una luz especial o simplemente el color, pero es necesario que haya un centro de atención potente, sino corres el riesgo de que la foto no consiga engancharte.

4) La carga simbólica

Ya sabes que los elementos naturales como un árbol, un río, una montaña o el mismo mar tienen una carga y significados simbólicos específicos.

Me gusta utilizar esa carga emocional para crear mundos o visiones particulares de lo que pienso acerca de los lugares.

Documéntate previamente y explora esos significados y utilizálos para dar mayor fuerza a tus paisajes.

Por ejemplo, en mi serie El Bosque Ausente, empecé a hacer retratos de árboles quemados, porque me sugerían la idea de sacrificio y de que seguían dando vida tras la muerte. A partir de ahí, entonces empecé a tratarlos como retratos, igual que si se trataran de las mismas personas importantes de nuestras vidas que nos han enseñado y ayudado muchas veces y que, una vez que nos dejan en vida, aún siguen ayudándonos en la memoria y marcando nuestra forma de pensar y actuar.

Así fue cómo elegí la forma de materializar el proyecto y esa serie que se trata fundamentalmente de retratos de árboles.

5) Ordena y establece la composición en base a tu centro de atención

Cuando voy a realizar la composición, si tengo claro lo que es importante para mí en ese paisaje, prácticamente la cámara se coloca “sola” en el encuadre. Me dejo llevar la mayoría de las veces por mi intuición, pero cuando analizo fríamente lo que estoy haciendo me doy cuenta que siempre busco un encuadre que maximice lo importante de lo que quiero, prestando especial atención al centro del encuadre y sobre todo a las diagonales.

Creo que lo más interesante de la regla de los tercios, no son los tercios en sí, sino las lineas dinámicas que se generan entre el centro y las diagonales.

Entre el centro y esas líneas está la fuerza de tu composición. Y la mayoría de las veces está lo que quieres decir con tu foto.

6) Antes de nada, espera a la luz

Sin una buena luz no tienes nada. Puedes estar ante el paisaje más espectacular que tus ojos puedan ver que cómo no tengas una buena luz, no tendrás nada.

Os puedo asegurar que desde que hago mis fotografías con la cámara de placas, tengo que pensar mucho que foto hacer, no sólo porque es una cámara pesada y tardas más de 15 a 20 minutos en realizar los ajustes, sino también por el coste económico de cada foto. Un negativo cuesta entre 5 a 15 euros, sin incluimos el revelado y eso es una pasta que hace que pienses muy mucho la foto.

Estos condicionamientos hacen que haya un porcentaje muy alto de mis fotos de placas que me gusten. Prácticamente me gustan todas, en un 70-80 % y eso es algo que no puedo decir de mis fotos digitales y creo que nadie puede decir lo mismo. ¿Qué cuál es el secreto?. No hay problema, os lo digo. Tirar poco y tirar bien.

Esta claro. dentro de esta ecuación, entra, por supuesto la luz. Suelo tirar las fotos en la mejor hora de luz y espero el tiempo que haga falta.
Ya sabes, las mejores horas para fotografiar suelen ser entre 1 hora antes de la salida del sol y una después y por las tardes, tienes la media hora antes de la puesta y hasta 1 hora después de que se haya acostado el sol. Esas son las horas buenas de luz. Más allá de estas horas, a no ser que tengas un día con niebla, nubes o una iluminación muy especial, la foto de paisaje está bastante comprometida.

Para comprobar esto que digo, solo tienes que ver las fotos de los grandes maestros  como Ansel Adams o Stephen Shore

Pero no es suficiente con saber cuál es la mejor hora para fotografiar. Tenemos que saber medir la luz, darnos cuenta de los cambios en la luz y ser muy sensibles a las diferencias lumínicas por las diferentes condiciones atmosféricas.

Todo esto es muy difícil que te lo explique en un post como éste, pero si te quedas con las ganas, en el Curso Medio de Fotografía vemos en detalle los distintos tipos de medición y como utilizarlos según las condiciones y contraste lumínico de nuestro paisaje.

7) Tomate tu tiempo para conectar con lo que tienes delante

Antes de hacer la foto, siéntate encima de una piedra y respira profundamente el aire puro de la montaña.

Normalmente, vamos a mil por hora por lo que si por un momento rebajamos las revoluciones vamos a fundirnos con lo que nos rodea.

Y a lo mejor podemos echar a volar.

Conecta con tu entorno y empápate del aroma del bosque o del salitre marino.

Cuando lo hayas hecho, seguramente algo en ti habrá cambiado. Estarás más atento a los sonidos que salen de ese bosque. Y puede ser que lo veas de manera diferente.

Recuerda algo muy simple:

SOLO SE AMA LO QUE SE CONOCE

Y para conocer algo, necesitas tiempo y conectar. Así que tómatelo.

Por si lo prefieres, también hemos hecho un video en el os explico todo esto directamente en pantalla

8) Crea profundidad y sé feliz

Hay varios tipos de profundidad. La obvia, es la profundidad espacial, hace referencia al sentido físico de las distancias hacia el interior de nuestra foto. Para crearla podemos usar técnicamente la apertura de nuestro objetivo, el enfoque, distintas longitudes focales, etc, y, sobre todo, la composición.

Ya sabes que si haces una foto con un gran angular estarás creando una imagen con grandes espacios y si además, pones un objeto cerca de la cámara, estarás dando una mayor profundidad a tu fotografía. Esto es fácil comprobarlo.

En cambio, cuando usamos un teleobjetivo, hacemos justamente lo contrario. Achicamos los espacios y los comprimimos.

Pero a mí lo que realmente me interesa es una profundidad mucho más difícil de conseguir.

Es una profundidad emocional.

Imagina un viaje al centro de ti, en lo más profundo.

Al principio, en tu superficie, solo hay piel, solo fachada. Si pensamos en fotos, podría ser una foto bonita, pero me dice bien poco de quién eres tú.

Si nos vamos adentrando poco a poco en uno mismo, podemos ver de qué materia estamos hechos, cuáles son nuestros temores y miedos y cuáles son nuestros deseos y fines en la vida.

Esto ya es más interesante porque me cuenta quién eres.

En fotografía, quiero llegar a este tipo de profundidad y cuando retrato a una persona ese es mi objetivo.

Pero, ¿qué pasa con un paisaje emocional? Pues que necesito llegar a lo más profundo y para eso necesito seguir todos los pasos que te he comentado previamente.

Necesito encontrar un paisaje con una historia que contar.

Centrarme en un elemento simbólico del mismo que tenga una cierta carga emocional, que suponga una metáfora visual de la vida o que nos recuerde algo que hemos vivido en algún momento de nuestras vidas.

Necesito tener una luz mágica que nos transporte a ese momento o a un sueño y, por encima de todo, necesito conectar con lo salvaje, dejar que mi espíritu, mi alma o como queráis llamarlo se funda con el aire y eche a volar como un pájaro.

Necesito estar presente conmigo mismo en ese momento.

Lo comparo a la meditación:

Estoy ahí, en mitad de un bosque, una montaña, un desierto o frente al océano y aunque parezca que estoy solo, estoy rodeado de vida y conectado. Siento fluir una fuerza o una energía que vibra en mí y alrededor de mí.

Es increíble. Es vida. Pura vida.

Entonces, abro los ojos y la cámara parece que coge el encuadre perfecto, sabe ya dónde apuntar. Cargo la placa y yo solo espero pacientemente a tomar la foto.

Y la vida está ahí, delante de mí y luego la guardo para siembre en el negativo.

Cuando hago una foto así, parece que todo ha encajado y me siento profundamente agradecido. Antes de marcharme, como un ritual, siento que he sido testigo de algo maravilloso, aunque solo ha durado un instante y siempre doy las gracias por ello.

9) Sé coherente

Una forma de ir haciendo mejores fotos cada vez es que te plantees series fotográficas de un tema determinado y las fotos de paisaje se prestan a ello muy bien.

Trabajar un mismo tema y de una misma manera te ayudará a conocer tus limitaciones, aprender de ellas y a saber superarlas poco a poco. Es necesario profundizar en los temas si queremos ir mejorando cada día.
Repetir un tema fotográfico una y otra vez te ayudará a asimilar los conocimientos y a conocer mejor la luz y como funciona la percepción de las cosas y como la composición te puede ayudar a contar cosas.

Ya sabes que la receta para hacer mejores es, sobre todo, HACERLAS!

10) Termina tu fotografía en el revelado

No soy una persona de las que se tira horas y horas delante del ordenador editando sin parar, suelo ser bastante rápido editando, sobre todo, porque tengo muy claro lo que quiero en cada foto, bueno, por lo menos la mayoría de las veces y me gusta aplicar el término que acuñó en su día Ansel Adams con la previsualización.

Ansel Adams decía que cuando fotografiabas cualquier cosa, tenías que intentar ver la imagen en su estado final, una vez tomada la foto, revelado el negativo y en su último proceso, positivada la copia.

Su foto no se limitaba a la toma fotográfica ni al revelado del negativo, su foto era fruto de todo el proceso y, como os podéis imaginar, no era para nada simple y que hacía todo lo que tenía que hacer para conseguir una copia perfecta, desde el punto de vista de la foto que tenía en mente.
Ansel Adams, murió antes de que la fotografía digital dominara nuestras vidas pero estaría encantado de aplicar las herramientas de procesado como photoshop o lightroom para conseguir la foto que quería conseguir. No quiero que me malinterpretéis, simplemente estoy diciendo que consideremos todos los elementos que empleamos en nuestro proceso fotográfico, ya sea digital o analógico, como herramientas creativas al servicio de nuestros intereses documentales, artísticos y estéticos.

Salud, ánimo y cariño

El profesor